Etape 104 - Au musée des Offices - Salle Leonardo et pièces attenantes

Jeudi 2 novembre 2023. Le reste du bras est (salles 19-23) est dédié à diverses écoles de la Renaissance italienne et étrangère.

Dans ces salles, on saisit pleinement l'esprit didactique des Offices, qui s'est développé au XVIIIe siècle à travers des échanges et des enrichissements spécifiques, représentant le développement de la peinture dans tous ses aspects les plus importants.

La salle 19, anciennement armurerie, possède une voûte originale qui a été détruite et repeinte en 1665 avec les allégories de Florence et de Toscane, les triomphes, les batailles et les armoiries des Médicis d' Agnolo Gori.

La salle clarifie la peinture ombrienne et toscane avec des chefs-d'œuvre d'artistes déjà rencontrés dans la salle Leonardo : Luca Signorelli, Pietro Perugino, Lorenzo di Credi et Piero di Cosimo.

Ce dernier artiste, célèbre pour le ton magique et imaginatif de ses œuvres aux sujets mythologiques, est représenté ici par son chef-d'œuvre Persée libère Andromède.

Ici encore, vous pourrez admirer quelques unes des plus belles oeuvres de Filippo Lippi lorsqu'il travailla à Florence. Il fut, avec Fra Angelico et Domenico Veneziano, le principal peintre actif à Florence et fait partie de la génération qui suivit les traces de Masaccio.

Après une première période de stricte adhésion à Masacce, bien qu'enrichi d'idées tirées de la vie réelle, comme dans les œuvres contemporaines de Donatello et Luca della Robbia, Lippi s'oriente progressivement vers un spectre d'influences plus large, qui inclut également la peinture flamande.

Plus tard, son style évolue vers une prédominance de la ligne de contour rythmique sur tous les autres éléments, avec des figures élancées, dans des poses raffinées et dynamiques, sur des fonds audacieusement raccourcis en profondeur.

Son style, à l' époque laurentienne, est devenu prédominant dans la région florentine, constituant la base sur laquelle des peintres tels que Botticelli ont co-créé leur propre style.

Retour sur la Libération d'Andromède de Piero di Cosimo. Le tableau, extrêmement singulier et qui reproduit globalement fidèlement ce qui est raconté dans le quatrième livre des Métamorphoses d'Ovide a pour sujet principal la mise à mort du terrible monstre marin envoyé pour tuer Andromède.

L'auteur de la libération est Persée qui, vêtu de sandales ailées, est d'abord vu planer du ciel en haut à droite puis saisir l'épée pour décapiter le monstre au centre.

La composition est dominée par le dragon furieux, qui a la tête d'un chien à grandes crocs, avec une crinière d'écailles, une longue queue en forme de triton et des pattes palmées douces, qui déplacent des vagues d'eau en tâtonnant, peintes goutte à goutte avec la consistance des tampons de coton. Avec ses narines, il projette des jets d'eau sur Andromède, attachée à une bûche, qui s'apprête à s'éloigner et à se tortiller vers l'autre côté.

À droite comme à gauche, le personnage au turban blanc du père d'Andromède, Céphée , est répété, tandis que le personnage barbu qui, à l'extrémité du groupe de droite, regarde vers le spectateur, a été reconnu comme un autoportrait de le peintre.

Arrivons maintenant à la salle 15 qui documente les débuts artistiques de Léonard de Vinci, à partir de la première œuvre documentée, le Baptême du Christ de 1475, œuvre de son maître Verrocchio.

Dans cette oeuvre, le jeune Léonard peint la tête de l'ange de gauche, le paysage et peut-être le modelé d’après le corps du Christ.

Une autre œuvre de jeunesse est l'Annonciation, peinte par le maître de vingt ans, où les qualités de nuance de Léonard et son attention aux vibrations atmosphériques sont déjà visibles (pensez à l'ange qui vient d'atterrir), mais avec quelques erreurs de perspective, comme le livre sur lequel la Vierge pose un bras, qui repose au sol sur une base bien plus avancée que les jambes de la Madone.

Léonard s'est délibérément distancé de l'iconographie traditionnelle du thème de l'Annonciation en plaçant le décor dans un jardin à l'extérieur de la maison de la Vierge au lieu de la loggia habituelle ou de la chambre de Marie.

Selon la tradition médiévale, le décor était toujours placé dans un lieu fermé, du moins en ce qui concerne la Vierge, afin d'insérer des éléments iconographiques, comme le lit, tandis que l'Ange pouvait être placé à l'extérieur, mais dans un hortus conclusus, c'est-à-dire un potager bordé de hauts murs qui faisaient allusion au ventre de Marie.

C'est traditionnel par d'autres moyens, en effet on retrouve le placement des deux personnages (la Madone à droite et l'Ange à gauche) comme par exemple dans l'Annonciation de Fra Angelico.

L'Adoration des Mages, en revanche, est une œuvre inachevée dans laquelle apparaît clairement le sens novateur du génie de Vinci, avec une composition très originale centrée sur la Vierge à l'Enfant dans un scénario scintillant de nombreux personnages en mouvement.

A ne pas manquer non plus le Baptême du Christ, daté entre 1475 et 1478. L'œuvre a été réalisée pour le monastère vallombrosan de San Salvi à l'époque où l'atelier de Verrocchio était le plus important de Florence.

L'intervention de Léonard sur le corps du Christ est bien reconnue dans certains détails méticuleusement naturalistes, comme les doux poils pubiens, très différents par exemple du pagne rouge rayé brillant et anguleux. La main de Léonard est également intervenue dans les eaux du fleuve au premier plan (qui ont pris avec le temps une couleur plus rougeâtre), s'étendant pour immerger les pieds de Jésus et de Baptiste.

Au-dessus, les mains mal faites de Dieu le Père envoient la Colombe du Saint-Esprit entourée de rayons divins.