Etape
104 - Au musée des Offices - Salle Leonardo et pièces
attenantes
Jeudi 2 novembre 2023. Le reste
du bras est (salles 19-23) est dédié à
diverses écoles de la Renaissance italienne et étrangère.

Dans ces salles, on saisit pleinement
l'esprit didactique des Offices, qui s'est développé
au XVIIIe siècle à travers des échanges et
des enrichissements spécifiques, représentant le développement
de la peinture dans tous ses aspects les plus importants.

La salle 19, anciennement armurerie,
possède une voûte originale qui a été
détruite et repeinte en 1665 avec les allégories de
Florence et de Toscane, les triomphes, les batailles et les armoiries
des Médicis d' Agnolo Gori.

La salle clarifie la peinture ombrienne
et toscane avec des chefs-d'œuvre d'artistes déjà
rencontrés dans la salle Leonardo : Luca Signorelli, Pietro
Perugino, Lorenzo di Credi et Piero di Cosimo.

Ce dernier artiste, célèbre
pour le ton magique et imaginatif de ses œuvres aux sujets
mythologiques, est représenté ici par son
chef-d'œuvre Persée libère Andromède.

Ici encore, vous pourrez admirer quelques
unes des plus belles oeuvres de Filippo Lippi lorsqu'il travailla
à Florence. Il fut, avec Fra Angelico et Domenico
Veneziano, le principal peintre actif à Florence et fait
partie de la génération qui suivit les traces de Masaccio.

Après une première période
de stricte adhésion à Masacce, bien qu'enrichi d'idées
tirées de la vie réelle, comme dans les œuvres
contemporaines de Donatello et Luca della Robbia, Lippi
s'oriente progressivement vers un spectre d'influences plus large,
qui inclut également la peinture flamande.

Plus tard, son style évolue
vers une prédominance de la ligne de contour rythmique sur
tous les autres éléments, avec des figures
élancées, dans des poses raffinées et dynamiques,
sur des fonds audacieusement raccourcis en profondeur.

Son style, à l' époque
laurentienne, est devenu prédominant dans la région
florentine, constituant la base sur laquelle des peintres tels que
Botticelli ont co-créé leur propre style.

Retour sur la Libération
d'Andromède de Piero di Cosimo. Le tableau, extrêmement
singulier et qui reproduit globalement fidèlement ce qui
est raconté dans le quatrième livre des Métamorphoses
d'Ovide a pour sujet principal la mise à mort du terrible
monstre marin envoyé pour tuer Andromède.

L'auteur de la libération est
Persée qui, vêtu de sandales ailées,
est d'abord vu planer du ciel en haut à droite puis saisir
l'épée pour décapiter le monstre au centre.

La composition est dominée par
le dragon furieux, qui a la tête d'un chien à
grandes crocs, avec une crinière d'écailles, une longue
queue en forme de triton et des pattes palmées douces, qui
déplacent des vagues d'eau en tâtonnant, peintes goutte
à goutte avec la consistance des tampons de coton. Avec
ses narines, il projette des jets d'eau sur Andromède, attachée
à une bûche, qui s'apprête à s'éloigner
et à se tortiller vers l'autre côté.

À droite comme à gauche,
le personnage au turban blanc du père d'Andromède,
Céphée , est répété,
tandis que le personnage barbu qui, à l'extrémité
du groupe de droite, regarde vers le spectateur, a été
reconnu comme un autoportrait de le peintre.

Arrivons maintenant à la salle
15 qui documente les débuts artistiques de Léonard
de Vinci, à partir de la première œuvre documentée,
le Baptême du Christ de 1475, œuvre de son maître
Verrocchio.

Dans cette oeuvre, le jeune
Léonard peint la tête de l'ange de gauche, le paysage
et peut-être le modelé d’après le corps
du Christ.

Une autre œuvre de jeunesse est
l'Annonciation, peinte par le maître de vingt ans,
où les qualités de nuance de Léonard et son
attention aux vibrations atmosphériques sont déjà
visibles (pensez à l'ange qui vient d'atterrir), mais
avec quelques erreurs de perspective, comme le livre sur lequel
la Vierge pose un bras, qui repose au sol sur une base bien plus
avancée que les jambes de la Madone.

Léonard s'est délibérément
distancé de l'iconographie traditionnelle du thème
de l'Annonciation en plaçant le décor dans un jardin
à l'extérieur de la maison de la Vierge au lieu de
la loggia habituelle ou de la chambre de Marie.

Selon la tradition médiévale,
le décor était toujours placé dans un lieu
fermé, du moins en ce qui concerne la Vierge, afin
d'insérer des éléments iconographiques, comme
le lit, tandis que l'Ange pouvait être placé à
l'extérieur, mais dans un hortus conclusus, c'est-à-dire
un potager bordé de hauts murs qui faisaient allusion au
ventre de Marie.

C'est traditionnel par d'autres moyens,
en effet on retrouve le placement des deux personnages (la
Madone à droite et l'Ange à gauche) comme par exemple
dans l'Annonciation de Fra Angelico.

L'Adoration des Mages, en revanche,
est une œuvre inachevée dans laquelle apparaît
clairement le sens novateur du génie de Vinci, avec une
composition très originale centrée sur la Vierge à
l'Enfant dans un scénario scintillant de nombreux personnages
en mouvement.

A ne pas manquer non plus le Baptême
du Christ, daté entre 1475 et 1478. L'œuvre
a été réalisée pour le monastère
vallombrosan de San Salvi à l'époque où l'atelier
de Verrocchio était le plus important de Florence.

L'intervention de Léonard sur
le corps du Christ est bien reconnue dans certains détails
méticuleusement naturalistes, comme les doux poils pubiens,
très différents par exemple du pagne rouge rayé
brillant et anguleux. La main de Léonard est également
intervenue dans les eaux du fleuve au premier plan (qui ont pris
avec le temps une couleur plus rougeâtre), s'étendant
pour immerger les pieds de Jésus et de Baptiste.

Au-dessus, les mains mal faites
de Dieu le Père envoient la Colombe du Saint-Esprit entourée
de rayons divins.



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